Il a également été utilisé comme moyen de divertissement et d'enrichissement. L'émergence de l'art abstrait était un cri, par des artistes doués, pour une forme d'expression différente et plus intellectuelle de ce qui était familier. Il est né de la nécessité d'aller au-delà des limites perçues des styles de peinture plus traditionnels et acceptés. En tant que peintre, Pablo Picasso a été célébré pour son éclat rebelle et sans encombre à travers l'initiation de plusieurs styles et tons distincts tout au long de sa carrière.
Cette carrière l'a vu, dès son plus jeune âge, montrer un talent prodigue avec la peinture naturaliste, puis commencer à se diversifier dans l'expérimentation de la sculpture construite, du cubisme et du collage. Ceux-ci, il les a co-inventés avec son collègue peintre, Henri Matisse.
Lui et Matisse ont pris le naturalisme dans une direction différente à travers l'analyse et l'interprétation des sujets trouvés dans la nature. Ce style d'interprétation géométrique, caractérisé par l'agencement délibéré de rectangles, de sphères et de cônes pour représenter un sujet, a donné naissance au cubisme.
L'œuvre de la vie de Picasso, souvent classée en périodes segmentées à partir de 1901, présente au moins six phases ou styles d'expression distincts. Ils comprennent une période bleue , où une grande partie de ses peintures ont été réalisées dans des teintes vert bleuâtre sombres, avec des couleurs chaudes utilisées avec parcimonie. Ses œuvres de la période rose utilisaient des couleurs plus chaudes et le sujet était généralement plus gai et léger.
Son travail sur la période africaine incorporait des lignes et un symbolisme couramment utilisés à l'époque dans la sculpture africaine. Les œuvres cubistes ont vu ses sujets représentés à partir de plusieurs points de vue abstraits, plutôt que d'un singulier. Les peintures du cubisme de cristal utilisaient des plans géométriques rapides et apparaissaient de manière caractéristique extrêmement plates ou bidimensionnelles.
Au-delà des années 1920, son travail comprenait des styles des périodes susmentionnées, ainsi qu'un peu de surréalisme, un style qui représentait le fonctionnement de l'esprit subconscient. Picasso a peint son Arlequin de Barcelone en 1917, à l'âge de trente-six ans, à l'époque où il passait au style néo-classique de ses dernières années. Dans ce tableau, l'arlequin se tient debout, posant son bras sur une balustrade de balcon.
Il y a des notes de cubisme dans l'image - le bras droit n'est pas complètement raccourci et semble quelque peu artificiel dans sa présentation. De plus, alors que le sujet a des traits faciaux nets et réguliers, son œil droit semble manquer d'une symétrie naturelle avec le gauche ; il semble avoir été placé dans une perspective différente, conformément au style cubiste.
L'Arlequin de Barcelone semble perdu dans ses pensées, son visage suggérant une possible tristesse ou incertitude. Les arlequins étaient, en fait, un sujet préféré de Picasso à peindre tout au long de sa carrière. Cet arlequin particulier est seul, attendant peut-être son signal pour jouer. Picasso a utilisé des teintes douces pour son costume, qui semble être fait d'un matériau soyeux légèrement réfléchissant.
La riche rougeur du rideau ajoute une vivacité qui sert à atténuer une partie de l'incertitude transmise lors de l'étude de la peinture; peut-être que l'arlequin a le trac. Si un tableau peut être considéré comme révélateur de l'état d'esprit d'un peintre, l'Arlequin de Barcelone peut être l'une des œuvres les plus équilibrées de Picasso, où des éléments de chacune de ses périodes, styles et considérations font leur apparition. C'est un style transitoire créé par un esprit qui considérait l'existence sous autant de perspectives qu'il pouvait en percevoir.
