Pablo Picasso war ein Künstler, der sich mit den Kämpfenden in der Gesellschaft verbunden fühlte, ähnlich wie der Künstler Van Gogh, zu dessen frühen Werken The Potato Eaters gehörten . Der alte Gitarrist ist eines von mehreren Picasso-Porträts, die darauf abzielen, die Aufmerksamkeit auf die Notlage der Armen, Kranken und anderer zu lenken, die in der heutigen Gesellschaft zu kämpfen haben. Dieses besondere Kunstwerk zeigt einen älteren blinden Mann, der sich über seine Gitarre lehnt. Seine Armut wird durch seine abgetragene Kleidung unterstrichen und wie er in den Straßen von Barcelona, panien, spielt, um Geld für Lebensmittel bereitzustellen. Das Gemäldewurde 1903 in Madrid geschaffen. Ungefähr zu dieser Zeit tötete sich Picassos enger Freund Casagemas, und dieser Vorfall sollte den jungen Pablo prägen. The Old Guitarist ist ein bedeutender Beitrag zu seiner Blue Period, einem mehrjährigen Zeitraum, in dem seine Arbeit hauptsächlich von melancholischen Blautönen geprägt war.
Als Van Gogh nach Frankreich gezogen war und begann, in der hellen Landschaft des Südens mit Farben zu experimentieren, verließ Picasso einige Jahrzehnte später auch seine eigene düstere Zeit. Dieses besondere Gemälde stammt aus dem frühen 20. Jahrhundert und zu dieser Zeit hatte Pablo selbst finanzielle Probleme. Dies stärkte sein Verständnis für die Probleme, unter denen andere leiden. Künstler El GrecoEs ist bekannt, dass es einen Einfluss auf einige der früheren Arbeiten von Picasso hatte, und das wird hier deutlich, mit dem verdrehten Oberkörper, der in diesem Porträt verwendet wird. Jüngste Forschungen haben mehrere unvollendete Gemälde unter dem alten Gitarristen freigelegt, und Elemente davon können mit bloßem Auge in Bereichen des Hintergrunds gesehen werden. Die Angewohnheit, Leinwände wiederzuverwenden, ist für Künstler üblich, und in den meisten Kunstbewegungen wurden häufig neue Werke gefunden, die unter anderen fertigen Gemälden lauern. Es ist möglich, dass eines der Porträts, die von der endgültigen Grafik abgedeckt werden, eines von Picassos vielen Porträts der weinenden Frau war, obwohl dies nie bestätigt wurde.
Musik erscheint in diesem Gemälde, um den blinden Mann von seiner Behinderung und Armut abzulenken, wobei seine Gitarre eine große wörtliche und symbolische Rolle in der Komposition des Kunstwerks spielt. Es gibt einen ernsten Blick auf den Gitarristen, als er sich über sein Musikinstrument beugt. Dies deutet auf erhebliche Probleme in seinem Leben hin, da er darum kämpft, über die Runden zu kommen. Es gibt auch eine Verlängerung der Form, um die Symbolik des Künstlers Picasso zu betonen. Diese Technik war im Werk des griechischen Malers El Greco üblich, mit dem Pablo sehr gut bekannt war. Die Komposition und das Farbschema zielen darauf ab, die Figur zu isolieren und ihre Einsamkeit und Verletzlichkeit in der Welt weiter zu unterstreichen. Picasso wollte die Aufmerksamkeit nicht auf dieses spezifische Individuum lenken, sondern auf die Probleme der Armut im Allgemeinen. Dieses Kunstwerk verwendet Farbe, um die Bedeutung des alten Mannes zu verdeutlichen.
Die Brauntöne dieser Gitarre heben sich vom Rest der Leinwand ab, die relativ gedämpft ist. Einige haben argumentiert, dass der alte Mann nur eine Repräsentation des Künstlers selbst ist und aufgrund der Implikationen, ein Künstler zu sein, im Wesentlichen ein einsames Leben führt. Es weist auch auf sein Vertrauen in die Gesellschaft hin, um ihn über Wasser zu halten. Es gab auch einige Diskussionen darüber, ob die Komposition und der Stil dieses Kunstwerks von George Frederic Watts 'Gemälde von Hope aus dem Jahr 1886 inspiriert wurden. Die Ähnlichkeiten sind eindeutig, aber es ist nicht bekannt, ob Picasso jemals tatsächlich diesem Gemälde ausgesetzt war. Picasso war jemand, der all seine Emotionen für seine Arbeit einsetzte, sowohl positive als auch negative. Er schien tatsächlich seine beste Arbeit zu leisten, wenn er die extremsten Emotionen einsetzte, wie zum Beispiel Horror mit seiner Serie über den spanischen Bürgerkrieg, wie mit gezeigtGuernica und die weinende Frau. Er deckte auch seine Tiere ab, die ihm sein ganzes Leben lang so viel Freude bereiteten, und auch die Frauen, mit denen er lebhafte und aufregende Affären hatte.
Picasso war ein hochqualifizierter Künstler, der in den traditionellen Methoden gut unterrichtet wurde. Schon früh in seiner Karriere folgte er diesen Stilen, bevor er begann, einen eigenen Ansatz zu entwickeln. Er war daher mehr als in der Lage, seinen Gemälden eine effektive Verwendung der Perspektive hinzuzufügen, entschied sich in diesem Fall jedoch dafür, die Perspektive, die in der Kunst des 20. Jahrhunderts üblich war, abzuflachen. Es war, als ob wir den Kreis zurück in die Zeit vor der Renaissance zurückgelegt hätten, als die gleiche Perspektivlosigkeit üblich war. Die verschiedenen modernen Kunstbewegungen, die zu Picassos Lebzeiten auftauchten, drehten sich alle um das Verbiegen der Realität, wodurch im Wesentlichen eine neue Perspektive geschaffen wurde. Das war aufregend und frisch, aber viele Kritiker sahen darin eine Ablehnung der Prinzipien der Kunst und die Förderung einer geringeren Qualität der Malerei. Eigentlich waren es Künstler, die die Dinge noch einmal vorangetrieben haben,
"Sie sagten: 'Du hast eine blaue Gitarre, du spielst die Dinge nicht so, wie sie sind.' Der Mann antwortete: ‚Die Dinge, wie sie sind, werden auf der blauen Gitarre verändert.‘“
Walter Stevens (Als Metapher für die Notwendigkeit, sich vollständig in seine Trauer zu vertiefen, um zu heilen) Verletzlichkeit ist ein Schlüsselthema in diesem Kunstwerk, wobei dieser ältere Mann mit einer Traurigkeit nach unten schaut, die seine gefährliche Position darstellt. Die Farbgebung besteht hauptsächlich aus verschiedenen Blautönen, die weiterhin eine melancholische Atmosphäre aufbauen. Die helleren Akzente der weißen Farbe werden hauptsächlich seinem Haar und Bart hinzugefügt, was sein Alter erhöht und erneut auf die schwierige Position anspielt, in der er gezwungen ist, sich auf die Unterstützung anderer zu verlassen. Der musikalische Aspekt ist auch deshalb wichtig, weil sich Künstler seit vielen Jahrhunderten auf diesen Zeitvertreib konzentrierten, um innerhalb ihrer Arbeit unterschiedliche Wirkungen zu erzielen. In diesem Fall stellt es einen verzweifelten Überlebensversuch dar, während es in anderen Fällen Unterhaltung und Gruppenvergnügen oder vielleicht die Belustigung von Monarchien darstellen kann. Der visuelle Aspekt hilft uns, mehr über die Arten von Instrumenten zu erfahren, die im Laufe der Jahrhunderte und in verschiedenen europäischen Nationen verwendet wurden. Kubistische Künstler verwendeten die Instrumente selbst für Stilllebenkompositionen, aber Old Guitarist war kein Teil von Picassos Beitrag zu dieser Bewegung.
Traditionell würde die europäische Kunst den ärmeren Schichten der Gesellschaft nicht viel Zeit widmen, da sie von einigen als unattraktiv und auch nicht für die bildende Kunst geeignet angesehen würde. Stattdessen würden sich viele auf die Reichen und Berühmten wie die Monarchien oder erfolgreiche Kaufleute konzentrieren. Diese würden immer die besten Provisionswerte bieten, aber ohne die Meinungsfreiheit, die Künstler heute fordern. Picasso gehörte zu der neuen Generation, die ohne Beteiligung oder Einmischung von Auftraggebern arbeiten konnte und sich auf Inhalte und Stile konzentrierte, die er wollte. Dies ermöglichte ihm, mehrere Arbeitsphasen zu schmieden, in denen er mit anderen zusammenarbeitete, um neue Ideen hinzuzufügen. Diese Arbeitsweise ist heute viel beliebter, da Abwechslung sehr gefragt ist.
Dieses Gemälde von 1903-1904 befindet sich heute im Art Institute of Chicago in den USA. Ihre Auswahl von 46 Originalgemälden von Monet ist vielleicht das schlagzeilenträchtige Element ihrer Gesamtsammlung, die in die Tausende geht. Sie haben auch außereuropäische Kunst und Antiquitäten, wie eine Vielzahl afrikanischer und asiatischer Gegenstände, die Historiker ebenso interessieren wie Kunstfans. Hier gibt es also viel zu sehen, und diese Institution kann als eine der beeindruckendsten und wichtigsten Veranstaltungsorte in den gesamten USA angesehen werden und repräsentiert perfekt die vielfältige Natur der Bevölkerung Chicagos. Cliff Walk in Pourville , am Ufer der Seine, Bennecourt und das Haus des Künstlers in Argenteuilgehören zu den besten Monet-Werken, die hier zu finden sind, und Sie können auch andere bemerkenswerte Europäer wie Albrecht Dürer und Georgia O'Keeffe finden, die den vielseitigen Charakter ihrer ständigen Sammlung repräsentieren.
Der Großteil von Picassos Werken verbleibt in Europa und ist in den meisten Fällen zwischen Frankreich, Spanien und Großbritannien verteilt. In den letzten Generationen hat es eine kontinuierliche Ausbreitung europäischer Kunst in die USA sowie in andere Regionen wie Asien und den Nahen Osten gegeben. Viele sehen Kunst heute als Investitionsmöglichkeit, während andere glauben, dass hochkarätige Namen zusätzliche Touristen in ihre Großstädte locken können. Als Randbemerkung kann es auch lokalen Kunststudenten helfen, wenn sie diese Stücke persönlich studieren können, was immer eine viel bessere Art des Lernens ist, als einfach über diese berühmten Gemälde zu lesen oder sich Fotos von ihnen online anzusehen. Dies ist insbesondere bei den Meistern der Renaissance und des Barocks der Fall, die sehr subtile Techniken verwendeten, die niemals anders verstanden werden konnten, als diese Gegenstände persönlich zu sehen.
Diejenigen, die mehr von den besten Arbeiten dieses Künstlers sehen möchten, sollten sich auch Les Demoiselles d'Avignon , Girl Before a Mirror und Garcon a la Pipe ansehen. Dies war ein Künstler, der sich in seiner Karriere mit allen möglichen Stilen auseinandersetzte und sogar zur Konzeption bestimmter Bewegungen wie des Kubismus beitrug. Er war auch vielfältig in der Art der Medien, die er verwendete, da er ein hochqualifizierter Zeichner war und auch viele Keramiken entwarf. Er verlor nie seinen kreativen Antrieb und wollte ihm so viele Ausdrucksmöglichkeiten wie möglich geben. Er ließ auch gerne alle möglichen Einflüsse in seine Arbeit einfließen, wobei die afrikanischen Stile gut dokumentiert waren. Auch die Natur und die Tierwelt wirkten sich aus, beispielsweise durch seine Porträts einiger seiner Haustiere, die nach wie vor zu den beliebtesten Picasso-Drucken gehören, die bezaubernde Bilder von allerlei verschiedenen Kreaturen bietet, die auch dem gelegentlichsten Kunstfan zugänglich sind. Er wurde auch für seine Einzellinienzeichnungen bekannt , die die meisten von uns nicht in der Lage wären, aus ihrem eigenen Kopf heraus zu produzieren.
